Poipoidrome é a terceira exposição imbricada nesta edição de Frestas. Seu nome é uma referência à obra homônima do artista francês Robert Filliou, realizada em colaboração com o arquiteto Joachim Pfeufer, a partir de 1963, que propunha uma reflexão sobre o que é a arte e quem são os artistas. O núcleo expositivo apresentará, assim, entre outros trabalhos, um conjunto de obras realizadas pelos artistas participantes do Ateliê de Pesquisa em Poéticas Visuais, que serão, ao mesmo tempo, confrontados com as questões levantadas por Filliou e Pfeufer.
De 4 de março a 3 de maio de 2015

Poipoidrome is the third exhibition nested in this edition of Frestas. Its title is a reference to the homonymous work made starting in 1963 by French artist Robert Filliou in collaboration with architect Joachim Pfeufer, which proposed a reflection on what art is and who the artists are. Among other artworks, this exhibition segment will feature a set of works made by the artists who participate in the Studio for Research in Visual Poetics, who will be simultaneously confronted with the questions raised by Filliou and Pfeufer.
From March 4 through May 3, 2015

Entre os Dogons, povoado da África Ocidental situado na República do Mali, é comum a saudação "Poipoi" para expressar certo contentamento em relação a tópicos do cotidiano, embora também sirva simplesmente para dar início à prosa em grupo. Quando o etnólogo Hermann Haan apresentou ao arquiteto Joachim Pfeufer e ao artista Robert Filliou esse modo sintético de comunicação dos dogons, este último resolveu realizar, com a colaboração de seu colega arquiteto, uma de suas mais irônicas e contundentes obras. Contudo, em Frestas – Trienal de Artes, “Poipoidrome” não é obra. Poderia ser uma homenagem, expondo as múltiplas versões dessa obra, concebidas pela dupla ao longo de alguns anos de parceria e mantidas pelo arquiteto após a morte do artista, em 1987. Em compensação, é mais provável que esse projeto adote a icônica fórmula de René Magritte, ao negar ser aquilo a que se assemelha. Isso porque, em sua origem, esse nome estranho na Trienal não é uma exposição e muito menos uma obra, embora conte com a participação de artistas de diferentes horizontes. A semelhança é uma espécie de eco que produz vibrações distorcidas do som original. Eis onde o “Poipoidrome” que realizamos na ocasião de Frestas – Trienal de Artes quer operar: ao retomar o postulado da obra do binômio Pfeufer-Filliou tenta encontrar na história recente das exposições uma maneira de pensar sobre a figura do artista e sobre o lugar que ele, o público, a obra e a exposição de arte ocupam no mundo e de que modo há interesse por parte deles em inventar ou insistir no inexistente.

O projeto foi pensado como uma saudação entre artistas e público, retomando o movimento inicial de Robert Filliou para pensar o estatuto desta figura que convive com as coisas que não existem, percebendo-as como insistência e não como o oposto de existência. Em Frestas – Trienal de Artes, “Poipoidrome” é a tentativa de retomar as ideias que Filliou concebeu em torno de sua noção de "Criação Permanente". De fato, para ele, a permanência era a única tentativa de identificar a figura do artista, o que surgiu de uma anedota quando ouviu que as pessoas que se dizem artistas o são quando estão criando. Quando interrompessem o fluxo da criação, deixariam de ser. Pensando na permanência como um elemento que constitui a identidade do artista, Filliou também assumiu uma leitura crítica sobre esta figura, com a sua fórmula “bien fait, mal fait, pas fait” (bem feito, mal feito, não feito). O que conduz a pensar sobre o fato de que as polaridades e o senso comum sobre o bem e o mal feitos levaria o artista a não mais produzir arte; daí o “não feito”. Ou seja, a despeito de toda a tentativa de distanciar o artista desses paradigmas normativos, qualificando o que fazem como sendo boa ou má arte, é fato que ainda perduram leituras desnecessárias nos dias de hoje, que persistem em identificá-la dessa maneira, problema que se coloca quando essa identificação tendenciosa está relacionada exclusivamente a processos de legitimação de instituições consagradas ou do mercado hegemônico.

“Poipoidrome” propõe uma verdade circular, calcada pela desconfiança e pelo desafio de ser artista hoje, ontem e amanhã. Por isso, o projeto deve horizontalizar as paredes de Frestas – Trienal de Artes. Literalmente derrubadas, grande parte delas se transformarão em tablados para propor uma transição do objeto para a ação: falar, ouvir, argumentar, propor, problematizar, jogar, alimentar-se, correr risco e silenciar, algumas coisas que a mesa, como lugar de ação, leva em conta. O projeto se estrutura com base na experiência da cidade, de seus fluxos e refluxos, e conta com artistas que insistem em redesenhar o cenário local e regional, tanto quanto com outras que participam ativamente do diálogo com o mundo. Os artistas serão convidados a se colocarem diante da noção de “criação permanente”, que poderá ser vista como uma ideia contraditória — posto que, neste mundo qualificado por tanta impermanência nas relações, na politização e nos valores da vida, faz-se necessário uma dose de resistência e de insistência descomunais para tornar possível o convívio com o permanente, seja na comunidade, na arte ou na política. Por isso é de interesse do projeto cruzar a ideia deste artista franco-americano, segundo a qual "arte é o que fazem os artistas", com o princípio de permanência da criação. Por outro lado, o que se propõe é o encontro entre o postulado de Filliou e o do artista Antoni Muntadas: “Atenção, percepção requer envolvimento”. Identificamos neles uma pausa prolongada e é por meio dela que se intende conhecer as diferentes articulações que asseguram a pluralidade da arte e do artista. Ao carregar o espaço de diálogo e de proposições artísticas com ideias que mobilizaram artistas de diferentes gerações a pensar sobre o fato de que "tudo é arte", inevitavelmente, a ideia segundo a qual “arte é o que fazem os artistas” levanta uma afirmação interrogativa, mantida no campo da arte desde a segunda metade do século XX. Pois, se tudo é arte, todos somos artistas?

Nesse sentido, este projeto propõe investigar o lugar do artista no mundo pela via da insistência, da prática permanente e do envolvimento, todos vistos como mote para o convívio com o inexistente. Em vista de uma reorganização sem soluções claras ou consequências tangíveis, “Poipoidrome” não é, portanto, uma exposição. Não se encerra a partir de um determinado número de obras, conceito, artistas ou espaço/tempo, tampouco se pretende afirmativa. E caso sejamos todos artistas, há um dado que parece problematizar essa afirmação tautológica, uma vez que “percepção requer envolvimento”. Por isso, cabe interrogar de que modo os artistas são, nas palavras da crítica de arte Isabelle Graw, “especialistas em injetar vida nas coisas”. Pois, segundo ela, “já que se considera que a ‘vida’ é um objeto privilegiado da atividade humana, então a arte, para a qual a vida sempre representou uma força produtiva, se volta por sua vez a uma atividade proeminente”. Ela conclui: “é por isso que vejo os artistas como provedores de vida [...]” Sentimentalismo, verdades obsoletas, adulações sem sentido ou reconhecimento da importância de uma figura que insiste em tornar possível o convívio com o inexistente, com o político e com o intangível? Qual é o valor do envolvimento em uma modalidade de vida que se pauta na fugacidade e na instantaneidade? Como traduzir o desejo de se envolver com arte em uma sociedade que vê, quase sempre, no êxito propagandista o único motor para a propulsão do desejo e da ação? Todos ainda somos artistas?

Among the Dogons, a people of West Africa who live in the Republic of Mali, a common greeting is “Poipoi,” which expresses contentment in relation to topics of everyday life, while also serving simply to begin a chat. When ethnologist Hermann Haan described this synthetic means of Dogon communication to architect Joachim Pfeufer and artist Robert Filliou, the latter decided to work in collaboration with his architect colleague to carry out one of his most ironic and incisive works. At Frestas – Trienal de Artes, however, Poipoidrome is not an artwork. It could be an homage, featuring multiple versions of this work, conceived by the duo over the course of several years of partnership and continued by the architect after the artist’s death, in 1987. On the other hand, it is more likely that this project adopts the iconic formula of René Magritte, by denying to be what it resembles, insofar as the origin of this strange name at the Trienal is not an exhibition and much less an artwork, though it involves the participation of artists from different horizons. Similarity is a sort of echo that produces distorted vibrations of the original sound. This is where the Poipoidrome we are holding on the occasion of Frestas – Trienal de Artes aims to operate: by revisiting the postulate of Pfeufer-Filliou’s work, it seeks in the recent history of the exhibitions a way to think about the figure of the artist and about the place that the artist, the public, the artwork and the art exhibition occupy in the world, and in what way part of them are interested in inventing or insisting on the nonexistent.

The project was conceived as a greeting between artists and the public, revisiting Robert Filliou’s initial movement to reflect on the nature of this figure who lives with the things that do not exist, perceiving them as an insistence and not as the opposite of existence. In Frestas – Trienal de Artes, Poipoidrome is an attempt to resume the ideas that Filliou conceived around his notion of “Permanent Creation.” In fact, for him, permanence was the only attempt to identify the figure of the artist, which arose from an anecdote that he heard, that the people who call themselves artists are only truly so when they are creating something. When they interrupt the flow of creation, they stop being artists. Considering permanence as an element that constitutes the artist’s identity, Filliou also undertook a critical reading of this figure, with his formula of “bien fait, mal fait, pas fait” (well made, badly made, not made). Which leads us to think about the fact that the polarities and the commonsense notion about good and bad results would lead the artist to no longer produce art; therefore, the “not made.” That is, despite all the attempts to distance the artist from these normative paradigms that would qualify what they make as being good or bad art, it is a fact that there still exist unnecessary readings nowadays, which persist in identifying it in this way – a problem that arises when this tendentious identification is exclusively related to the process of the legitimation of established institutions or of the hegemonic market.

Poipoidrome proposes a circular truth, grounded in the misgiving and challenge of being an artist today, yesterday and tomorrow. For this reason, the project should horizontalize the walls of Frestas – Trienal de Artes. Literally broken down, a large part of them will be turned into table/platforms to propose a transition of the object into an action: speaking, listening, arguing, proposing, problematizing, playing, eating, running a risk and silencing are some of the things that the table, as a place of action, takes into account. The project is structured on the basis of the experience of the city, its flows and refluxes, and relies on artists who insist on redesigning the local and regional scenario, along with others who actively participate in the dialogue with the world. The artists will be invited to position themselves before the notion of “permanent creation,” which can be seen as a contradictory idea – given that, in this world qualified by so much impermanence in relationships, in politicization, and in life values, a dose of uncommon resistance and insistence are necessary to allow for the living together with the permanent, whether in the community, in art, or in politics. This is why it is interesting for the project to cross the idea of this Franco-American artist, according to which “art is what artists make,” with the principle of permanent creation. On the other hand, what is proposed is the encounter between Filliou’s postulate and that of artist Antoni Muntadas: “Warning: perception requires involvement.” We identify a long pause in them, and this is the means proposed for understanding the different articulations that ensure the plurality of art and of the artist. By charging the space of dialogue and the artistic propositions with ideas that have led artists from different generations to think about the fact that “everything is art,” the idea according to which “art is what artists make” inevitably raises an interrogative statement, sustained in the field of art since the second half of the 20th century: If everything is art, are we all artists?

In this sense, this project proposes to investigate the artist’s place in the world by the path of insistence, of permanent practice and involvement, all seen as a lemma for living together with the nonexistent. In view of a reorganization without clear solutions or tangible consequences, Poipoidrome is not, therefore, an exhibition. Its scope is not limited to a determined number of works, a concept, artists, or space/time, nor does it aim to be affirmative. And in the case that we are all artists, there is a fact that seems to problematize this tautological statement, given that “perception requires involvement.” For this reason, we musk ask in what way the artists are, in the words of art critic Isabelle Graw, “specialists in injecting life into things,” insofar as, according to her, “if life is a privileged object of human activity, then art, for which life has always represented a productive force, takes on a prominent position.” She concludes: “I therefore view artists as becoming purveyors of life […]” Sentimentalism, obsolete truths and senseless adulations, or the recognition of the importance of a figure who insists on allowing for the possibility of living together with the nonexistent, the political, and the intangible? What is the value of the involvement of a modality of life that is based on fugacity and instantaneity? How to convey the desire to become involved with art in a society which, nearly always, sees successful advertising as the only driver of desire and action? Are we all still artists?